Illumina

Art of Life de X-Japan (1993)

Yan Fanel — Tue, 27 May 2008 23:16:00 GMT

C’est un fait avéré, je n'aime pas parler de ce dont parlent les autres, et encore davantage quand je ne maîtrise pas suffisamment mon sujet. Je ne parle donc jamais de mes goûts musicaux parce que je suis totalement incapable de construire la moindre argumentation : j’aime tel groupe, j’aime tel morceau ou j’aime pas, c’est à peu près tout. Ma culture musicale est assez limitée d'ailleurs. Pourtant, j’ai récemment découvert un morceau qui m’a tellement bouleversé que je me suis senti obligé d’en parler, d'en faire un coup de cœur. Je sortais d’une période où j’écoutais assidûment l’Arc~En~Ciel, groupe de rock japonais, période qui s’est royalement conclue par l’inoubliable concert au Zénith dont je garderais un souvenir impérissable. Ce concert était grandiose.

Petit à petit, je me suis intéressé de nouveau à la musique japonaise et je suis revenu à l’un des premiers groupes que j’ai découvert dans ma jeunesse, X-Japan. Je n’ai jamais été un fan absolu de X-Japan : je me souviens que c’était le groupe qui interprétait la musique du fameux clip de X, un clip mythique a une époque, d'autant plus que j'aimais beaucoup le manga en question et globalement, les œuvres de Clamp à cette période. C'est pour cela qu'il m'arrivait parfois de reproduire le signe en forme de croix avec les bras en beuglant « Eks !!! ». Sorte de signe de geekitude / otakuisme avant l’heure du temps des premières conventions…

X-Japan, c’était aussi le groupe dont l’un des membres s’était suicidé. Mais ma connaissance se limitait à cela et à partir du moment où j'ai commencé à en attendre parler, je savais que c'était un groupe mythique, mais leur carrière était déjà terminée. C'est pour cette raison que même si j'apprécie beaucoup le groupe, je ne peux pas être considéré comme un fanboy... Pourtant...

Le dernier clip de X-Japan, I.V. qui passe actuellement sur No Life, la chaine des geeks, m’a donné envie de m’intéresser de nouveau à ce groupe. J’ai donc parcouru un peu leur histoire et plus j’en lisais des résumés, plus j’étais envahit par la tristesse. L’histoire de X-Japan est belle et triste, surtout la séparation et le dernier concert, The Last Live, qui m’a réellement ému… On y voit Yoshiki, le batteur pleurer et enlacer Toshi, son ami d’enfance. On y voit le guitariste, hide, profondément ému, quelques mois avant son triste décès. Savoir que l’on joue son dernier concert procure des sentiments indescriptibles et ces sentiments se ressentent complètement dans ce dernier concert.

D’autant plus touchant que la mort de hide, peu de temps après, scelle définitivement le destin de ce groupe hors du commun, qui a eu une influence immense sur la scène du rock japonais, véritable ambassadeur du style Visual Kei aux looks complètement psychéliques. A ce jour, j'ignore si la mort de hide est un suicide ou d'un accident, et finalement peu importe... hide a quitté la vie prématurément et c'était assurément une grande perte pour le rock japonais (il suffit d'écouter quelques uns de ces albums solo pour en être définitivement assuré). Son look tellement improbable (palmier rouge sur la tête), mais la qualité de sa guitare, de ses compositions, de sa prestance sur scène laissent songeur...

(Hideto Matsumoto aka hide, guitare)

En regardant, les albums disponibles sur mon disque dur, je parcours les différents répertoires, et l’un d’entre eux m’interpelle. Il s’agit de l’album Art of Life, qui ne comprend qu’un seul et unique morceau. Je me suis dis que mon album était incomplet, jusqu’au moment où, incrédule, je lance le morceau et constate son impressionnante durée de 34 minutes. Je connaissais quelques morceaux bien longs, comme Freebird de Lynyrd Skynyrd et son interminable solo, Stairway to Heaven de Led Zeppelin ou encore Bohemian Rhapsody de Queen. Quoiqu’il en soit, je décide donc de me lancer dans l’écouter de ce mastodonte musical.

Et je prends l’une des claques de ma vie. J’accroche immédiatement et je sens rapidement que je suis en train d’écouter un morceau d’anthologie. Il est clair que ce n’est peut-être pas un chef d’œuvre comme le prétendent certains fans, mais putain, qu’est-ce que ça déchire ! Le piano de Yoshiki est juste impressionnant, le rythme est extra, les solos de guitare ont la pêche et la voix de Toshi, si particulière, fait ici merveille. C’est juste magnifique, c’est rapide, puissance, et ça dégage une émotion juste incroyable. La construction reprend sans cesse le même thème sous de multiples variations, tout semble parfait. J’adore particulièrement les passages solo de hide, acclamé par la foule en délire.

(Toshimitsu Deyama aka Toshi, chant)

Jusqu’à ce que tout s’éteigne à la moitié de la 15ème minute où démarre un énorme solo de Piano de Yoshiki, qui commence simplement, et qui monte progressivement avec les mêmes accords de plus en plus complexes et un chaos provoqué par les fausses notes, qui deviennent de plus en plus fréquentes. Le tout dans une durée de 8 minutes. Sans tomber dans l’intellectualisation, il faut avouer que l’on ne comprend pas forcément le sens de ces fausses notes au début. Pourtant, même ses fausses notes sont placées méticuleusement et selon la propre recherche esthétique voulue par Yoshiki. Rien d’étonnant lorsqu’on apprend que Yoshiki a passé 4 années à élaborer ce morceau, à sans cesser le modifier, l’améliorer. Il est clair que le solo de Piano tranche radicalement avec le reste de la chanson et il finit d’ailleurs par laisser sa place comme s’il n’avait même pas existé. Pourtant, il fait parti intégrante de l'œuvre et la moindre note en est indissociable.

(Yoshiki Hayashi aka Yoshiki, piano et batterie)

Après plusieurs écoutes, je commence à comprendre les paroles et je décide de regarder la version live. Ce morceau n’a été joué que deux fois dans son intégralité, ce qui continue d’affirmer son aspect unique et mythique, dans un sens. Il a été joué une dernière fois lors de la reconstitution du groupe mais Yoshiki s’est effondré au cours de la prestation. Et lorsqu’on voit sa performance en live, on comprend son épuisement : véritable maître d’œuvre, Yoshiki donne tout à la batterie, comme au piano et sa maîtrise est telle qu’il dépasse de nombreux musiciens spécialisées dans ces deux instruments. Les autres ne sont pas en reste avec un hide qui dégage une aura et qui joue ses solos techniques avec calme et virtuosité (son palmier rouge sur la tête a une certaine classe). D’ailleurs, il suffit d’entendre les réactions du public lors des solos de hide pour comprendre à quel point il était important pour le groupe. Quoiqu’il en soit, tous les membres du groupe sont vraiment impressionnants et donnent à cette prestation une puissance unique.

(Hiroshi Morie aka Heath, basse)

Ce morceau, Art of Life, m’a procuré une émotion unique et indescriptible. Encore davantage lorsqu’on connaît le destin du groupe. Je l’écoute régulièrement dans son intégralité sans jamais ressentir la moindre lassitude. C’est une chanson qui emporte loin, très loin. Je n’aime pas la comparer à une autre chanson existante, même pour légitimer son caractère légendaire. Je préfère me dire que c’est une performance unique. Et j’espère pouvoir assister à un live de ce magnifique morceau, peut-être le 5 Juillet 2008.

(Tomoaki Ishizuka aka Pata, guitare)

Une symphonie de rock qui aborde, développe des conflits et les résous dans une structure époustouflante. Une chanson dans laquelle on entre de toute sa personne et on ne ressors pas indemne. C’est chanson complètement folle.

J’ai beau adorer certains groupes japonais, force est de reconnaître qu’aucun n’a produit une œuvre aussi puissance qu’Art of Life. C’est l'héritage le plus important laissé par X-Japan et l’ultime preuve qu’il s’agit d’un groupe de classe internationale qui mérite d’être cité dans les annales du rock. A noter que la version live fait 34 minutes alors que la version studio n'en fait que 29.

La première partie de Art of Life sur Daily Motion

La seconde partie de Art of Life sur Daily Motion

La troisième partie de Art of Life sur Daily Motion

Desert Rose
Why do you live alone
If you are sad
I'll make you leave this life
Are you white, blue or bloody red
All I can see is drowning in cold grey sand

The winds of time
You knock me to the ground
I'm dying of thirst
I wanna run away
I don't know how to set me free to live
My mind cries out feeling pain

I've been roaming to find myself
How long have I been feeling endless hurt
Falling down, rain flows into my heart
In the pain I'm waiting for you
Can't go back
No place to go back to
Life is lost, Flowers fall
If it's all dreams
Now wake me up
If it's all real
Just kill me

I'm making the wall inside my heart
I don't wanna let my emotions get out
It scares me to look at the world
Don't want to find myself lost in your eyes
I tried to drown my past in grey
I never wanna feel more pain
Ran away from you without saying any words
What I don't wanna lose is love

Through my eyes
Time goes by like tears
My emotion's losing the color of life
Kill my heart
Release all my pain
I'm shouting out loud
Insanity takes hold over me

Turning away from the wall
Nothing I can see
The scream deep inside
reflecting another person in my heart
He calls me from within
"All existence you see before you
must be wiped out :
Dream, Reality, Memories,
and Yourself"

I begin to lose control of myself
My lust is so blind, destroys my mind
Nobody can stop my turning to madness
No matter how you try to hold me in your heart
Why do you wanna raise these walls
I don't know the meaning of hatred
My brain gets blown away hearing words of lies
I only want to hold your love

Stab the dolls filled with hate
Wash yourself with their blood
Drive into the raging current of time
Swing your murderous weapon into the belly
"the earth"
Shout and start creating confusion
Shed your blood for pleasure
And what? For love?
What am I supposed to do?

I believe in the madness called "Now"
Past and future prison my heart
Time is blind
But I wanna trace my love
on the wall of time, over pain in my heart
Art of life
Insane blade stabbing dreams
Try to break all truth now
But I can't heal this broken heart in pain
Cannot start to live, Cannot end my life
Keep on crying

Close my eyes
Time breathes I can hear
All love and sadness
melt in my heart

Dry my tears
Wipe my bloody face
I wanna feel me living my life
outside my walls

You can't draw a picture of yesterday, so
You're painting your heart with your blood
You can't say "No"
Only turning the wheel of time
with a rope around your neck
You build a wall of morality and take a breath
from between the bricks
You make up imaginary enemies and are chased by them
You're trying to commit suicide
You're satisfied with your prologue
Now you're painting your first chapter black
You are putting the scraps of life together
and trying to make an asylum for yourself
You're hitting a bell at the edge of the stage
and
You are trying to kill me

I believe in the madness called "Now"
Time goes flowing, breaking my heart
Wanna live
Can't let my heart kill myself
Still I haven't found what I'm looking for
Art of life
I try to stop myself
But my heart goes to destroy the truth
Tell me why
I want the meaning of my life
Do I try to live, Do I try to love
in my dream

I'm breaking the wall inside my heart
I just wanna let my emotions get out
Nobody can stop
I'm running to freedom
No matter how you try to hold me in your world
Like a doll carried by the flow of time
I sacrificed the present moment for the future
I was in chains of memory half-blinded
Losing my heart, walking in the sea of dreams

Close my eyes
Rose breathes I can hear
All love and sadness melt in my heart
Dry my tears
Wipe my bloody face
I wanna feel me living my life
outside my mind

Dreams can make me mad
I can't leave my dream
I can't stop myself
Don't know what I am
What lies are truth?
What truths are lies?

I believe in the madness called "Now"
Time goes flowing, breaking my heart
Wanna live
Can't let my heart kill myself
Still I haven't found what I'm looking for
Art of life
I try to stop myself
But my heart goes to destroy the truth
Tell me why
I want the meaning of my life
Do I try to live? Do I try to love?

Art of life
An Eternal Bleeding heart
You never wanna breathe your last
Wanna live
Can't let my heart kill myself
Still I'm feeling for
A Rose is breathing love
in my life

Jeanne d'Arc de Level-5 (2006)

Yan Fanel — Wed, 23 Jan 2008 12:03:00 GMT

Les petits de gars de chez Level-5 sont décidemment très forts. Après avoir brillamment transposé l’univers de Dragon Quest à la 3D, le studio japonais a ensuite réalisé son propre RPG, Rogue Galaxy, et poursuit son petit bonhomme de chemin avec une incroyable constance dans la qualité. Ils se sont attaqués à la DS avec Professor Layton dans un tout autre genre et ce fut une belle réussite, aussi bien dans la critique qu’en terme de ventes, puisqu’il s’agit tout simplement de l’un des plus gros cartons de la DS du côté des éditeurs tiers. Même chemin avec la PSP où le studio a une nouvelle fois prouvé son talent, dans le domaine du Tactical-RPG cette fois, avec Jeanne d’Arc.

Jeanne d’Arc est le septième jeu du studio et officie dans le petit monde du Tactical-RPG, dominé par des références comme Fire Emblem, Tactics Ogre ou Final Fantasy Tactics. Un genre particulièrement apprécié où les références en la matière sont nombreuses, mais pas toujours très fraîches (S.O.S : recherche désespérément les sagas Tactics Ogre et Shining Force pour de nouveaux épisodes).

Jeanne d’Arc nous raconte l’histoire de France dans une version librement adaptée où les anglais sont les méchants mais ce n’est pas de leur faute, ils sont contrôlés par des créatures étranges et n’hésitent pas à s’allier à des squelettes, zombies, et toutes sortes de bestioles malfaisantes. C’est aux commandes de la Pucelle (ou la « Poucelle » avec l’accent américain) qu’il faudra prévenir les plus hautes autorités du royaume de France et mener une campagne pour débouter l’envahisseur anglo-saxon, responsable de la destruction de votre village natale (un grand classique). Voilà pour ce qui est du contexte. Comme d’habitude dans toutes les productions japonaises, ne vous attendez pas à une aventure historique mais à une adaptation très libre qui reprend les éléments importants du contexte pour développer son propre scénario. D’ailleurs les retournements de situations sont courants et parfois surprenants, d’autant qu’ils impliquent souvent l’arrivée ou le départ d’un personnage important de l’équipe (aie, aie, aie).

Représenté en 3D assez rudimentaire mais travaillées, les champs de bataille de Jeanne d’Arc sont d’une visibilité à toute épreuve. Le damier est d’une clarté digne d’un jeu d’échec et les petites élévations ou éléments de décors ne gênent en rien le champ de vision. Au pire, il reste la possibilité de déplacer librement l’angle de la caméra avec une souplesse peu courante puisqu’on peut carrément se placer en vue de haut. Un premier bon point, surtout quand on a retouché à Final Fantasy Tactics et à ces maudits arbres qui entravent la lisibilité. Dans Jeanne d’Arc, il n’y a tout simplement pas d’arbres. C’est typiquement ce genre de détails qui montrent que les concepteurs ont bien retenus les inconvénients des autres jeux.

Les champs de bataille permettent à plusieurs personnages de s’affronter, un nombre qui se situe aux alentours de la dizaine pour les ennemis et entre cinq et sept pour l’équipe, en règle générale. Le nombre de personnages qu’il est possible de placer dépend intégralement des missions et il n’est pas rare d’avoir des personnages imposés. Si ces derniers peuvent être embêtants, il faut garder en tête que le nombre de personnage dans les batailles est croissant et que vous aurez besoin de développer de nombreux personnages, surtout que vos alliés les plus précieux ont souvent l’occasion d’aller voir ailleurs. Cela fait hurler au scandale les premiers temps mais on doit s’y faire et finalement, plus on avance, plus on est content d’avoir monté plusieurs personnages en parallèle.

Les différentes batailles sont structurées clairement : il y a les missions de scénario et les « Free Stage », que l’on peut choisir en se déplaçant sur la carte de France, qui se découvre progressivement (malgré quelques errances géographiques que l'on peut pardonner). Visuellement, Jeanne d’Arc est simple quand on y regarde de près mais toujours très joli en vue d’ensemble. Le design des personnages et leurs grosses têtes peuvent parfois choquer, surtout pour les moins gâtés, mais l’ensemble est plutôt fin et très agréable. Les effets spéciaux sont plutôt sympathiques et ponctuent bien les différentes attaques.

Au niveau du système de jeu, Jeanne d’Arc reprend les canons du genre : il s’agit d’un pur tour par tour, équipe par équipe, à l’opposé des titres comme Final Fantasy Tactics avec un tour par tour mélangés en fonction d’une vitesse d’action. Du coup, les stratégies sont totalement différentes et la prudence s’impose car il faut que chaque personnage puisse résister à toutes les attaques du camp adverse. Le placement sur le champ de bataille n’est pas très pratique puisque l’on choisit d’abord la case, puis le personnage à placer, contrairement aux autres jeux du genre où l’on choisit le personnage puis l’endroit pour le placer. C’est l’une des rares fautes de goûts de l’interface, qui est globalement très bien faite.

Outre la notion de placement par rapport à la cible, à savoir que l’on a plus de chance de toucher et que l’on fait plus de dégâts quand on est placé sur le côté ou mieux dans le dos de la cible, ce sont les éléments originaux du système de combat qui retiennent l’attention dans Jeanne d’Arc.

Le premier d’entre eux est la possibilité pour certains protagonistes de se transformer. Cette super compétence a un usage limité : une seule fois par combat (du moins au début) et en général pendant seulement deux tours. Les pouvoirs obtenus dans ces transformations sont tellement puissants qu’ils placent cet élément de gameplay au cœur de toute stratégie dans les combats. Outre une nouvelle attaque supplémentaire (souvent dévastatrice), vous êtes totalement soigné de vos blessures et surtout vous bénéficiez d’un talent extraordinaire appelé « Godspeed » qui vous permet de jouer un tour de jeu supplémentaire quand vous tuez un adversaire. Evidemment, cette démesure met totalement en valeur les personnages à transformation, dont l’héroïne, car ils peuvent affronter et tuer les boss rapidement et surtout, faire le ménage complet sur la carte en un seul tour de jeu. Les stratégies se résument souvent à affaiblir les ennemis à distance puis à les finir au corps à corps, bénéficier d’un « Godspeed », se redéplacer et en attaquer un autre. A noter qu’il n’est pas possible de se déplacer après avoir effectué une action, contrairement à de nombreux jeux du genre.

Le second élément central de la stratégie dans les combats résident dans une autre nouveauté, les « Burning Aura ». Quand vous infligez des dégâts au corps à corps, une aura apparaît dans le dos de votre cible et un personnage placé dans une aura bénéficie d'un sérieux bonus de dégâts. En mettant cet élément en corrélation avec le fameux « Godspeed », vous aurez une bonne idée des tactiques possibles dans les combats pour optimiser ses attaques. Avec deux éléments originaux, Level-5 est parvenu à créer un système de jeu novateur qui offre des stratégies qui changent des autres jeux, une aubaine pour les vétérans du genre. Dernier petit élément, le « Unified Guard » qui permet de subir moins de dégâts avec des alliés proches. Un système sympa mais moins critique que les deux autres évoqués plus haut.

La difficulté n’est pas très élevée, bien que les débuts puissent être délicats car les personnages meurent avec peu d’attaques. L’IA n’est pas aussi impitoyable que dans un Final Fantasy Tactics ou un Fire Emblem, pourtant le jeu ne tombe pas dans le trop facile. Il se maintient à un niveau de difficulté correct, qui met fortement en valeur le leveling. Comme dans beaucoup de MMORPG, les chances de toucher et les dégâts dépendent du différentiel de niveau entre votre personnage et sa cible. La progression est d’ailleurs très agréable, on prend des niveaux régulièrement, les surplus de gain d’expérience sont conservés et l’on peut décrocher le pactole quand on tue un adversaire de niveau largement plus élevé. Ainsi, lors d’une mission annexe, j’ai pu gagner trois ou quatre niveaux pour un personnage d’un seul coup. Et mine de rien, vu le nombre de personnages à monter, ce genre de confort est vraiment appréciable et constitue un bon choix de design, là où de nombreux jeux auraient proscrit ce genre d’exploitation de mécanisme. Petit bémol pour l'IA vraiment faiblarde et surtout pour le fait que les ennemis n'agissent pas tant qu'ils n'ont pas un adversaire dans leur champ de vision, curiosité exploitable avec des attaques de longues portées comme "Sky Dart" (on peut infliger des dégâts aux ennemis et ils ne réagissent pas).

Dans les premières heures de jeu, le développement des personnages se révèle un poil décevant. On prend des niveaux régulièrement et c’est bien, mais les objets sont peu nombreux et mettent beaucoup de temps à se renouveler. Du coup, la première impression n’est pas forcément très bonne car on refait les batailles pour gagner des niveaux et on ne change d’équipement qu’au gré de l’avancée dans le scénario. Il y a bien des pierres de compétences (« Skill Stones ») mais les emplacements sont peu nombreux. A ce moment, j’ai commencé à prendre peur car je n’ai pas ressenti la grande richesse qui est l’un des points forts de Final Fantasy Tactics, ma référence du genre où il y a toujours une manière de progresser à tout moment, que ce soit grâce aux équipements (à voler) ou en faisant progresser les classes de personnages pour bénéficier de nouveaux pouvoirs. De plus, les différences entre les personnages ne sont pas flagrantes, ils utilisent des armes différentes mais peuvent tous faire de la magie. Bref, les premières heures laissent en proie à d’horribles doutes sur la quantité du contenu, qui pourrait largement affaiblir le développement des personnages si crucial pour ce genre de jeu (mais qui peuvent être contrebalancés par d’autres systèmes comme le montre la série des Fire Emblem).

Mais Jeanne d’Arc cache bien son jeu, après quelques missions, on découvre que l’on peut gagner des emplacements supplémentaires pour les compétences, que certaines sont terriblement efficaces, que l’on peut dénicher des armes spéciales dans les « Free-Stage » et surtout que l’on peut mixer à loisir les pierres pour en obtenir de nouvelles. Et voilà exactement la possibilité d’expérimentation et de personnalisation qui manquait jusque là. Rapidement essentielle, cette phase de jeu offre l’accès à de très nombreuses compétences supplémentaires qui renforcent considérablement le potentiel des personnages. On y trouve des compétences divisées en quatre catégories : des compétences actives (des coups spéciaux), des compétences passives, des sortilèges et des gains de caractéristiques. Et là, c’est la fête car les actives et passives sont limités à certaines armes, ce qui crée enfin une véritable distinction de classe de personnages. C’est uniquement par le biais du système de combinaison de compétence que l’on découvre tout le potentiel d’une classe.

On trouve donc les épéistes, spécialisés dans le combat corps à corps avec de nombreux coups spéciaux permettant de toucher une zone et la capacité de contrer, les lanciers qui peuvent toucher deux panels, qui ne s’exposent pas aux contres-attaques, qui peuvent toucher plusieurs ennemis et même attaquer à distance. Les porteurs de hache sont souvent les « tank », avec beaucoup de points de vie, ils infligent de lourds dégâts mais ont moins de chance de toucher, et bénéficient de compétence qui réduisent les caractéristiques adverses ou de cris. Les archers sont les spécialistes du combat à distance et disposent de compétences d’empoisonnement ou de dégâts à distance particulièrement efficaces, en contrepartie ils sont faibles, ne peuvent pas contrer et ne peuvent pas créer de « Burning Aura ». Les ou plutôt le voleur puisqu’il est seul est rapide, inflige peu de dégâts mais souvent des coups critiques, peut voler les adversaires et placer des éléments de décor indispensables dans certaines missions. Enfin, les magiciens sont spécialisés dans la magie avec plusieurs éléments possibles.

Nous avons donc des classes bien structurées avec intelligence et le fait que la magie ne soit pas limitée permet d’offrir une couche supplémentaire de personnalisation. En revanche, les classes autres que magiciens auront beaucoup moins de MP, donc pourront s’en servir moins souvent. Après avoir exploré le jeu dans son intégralité, il faut quand même se rendre à l’évidence, les archers sont redoutables dans Jeanne d’Arc. Ils ne sont que deux, mais ils grimpent rapidement en puissance et finissent par acquérir des compétences qui infligent parfois plus de dégâts que les attaques de corps à corps (le tout puissant « Meteor Bolt ») et carrément une attaque permettant de toucher n’importe où sur la carte (le sacro saint « Sky Dart »). Les classes guerrières sont plus équilibrées, surtout avec des pierres qui augmentent les points de vue, régénèrent et augmentent certaines caractéristiques. Si le voleur n’inflige pas beaucoup de dégât, sa grande mobilité est idéale pour créer des « Burning Aura ». On retiendra surtout la surpuissance des archers et des transformations, face auxquels peu de groupe d'ennemis parviennent à réagir.

C’est réellement le système de combinaison qui donne à Jeanne d’Arc toute sa saveur, tout comme le système de fusion de Persona dans l’excellent Persona 3. Cela ouvre la porte à l’expérimentation permanente : dès que l’on récupère une nouvelle pierre, il faut voir ce qu’elle fait et voir comment elle peut être combinée. D’autant plus que les combinaisons sont souvent logiques (attaque sur une cible plus cri à effet de zone donne une attaque de zone). Bien que les possibilités de développement n’atteignent pas celles de Final Fantasy Tactics, ce système se révèle excellent et donne toute sa richesse au jeu car les pierres de compétences sont vraiment nombreuses et soumis à peu de règles de restriction (une condition de niveau), ce qui fait que l’on peut rapidement obtenir des attaques de zone très efficaces.

On pourra également se délecter de la grande lisibilité des combats, de l’omnipotence des transformations avec les terribles combinaisons « Godspeed + Burning Aura » ou de l’interface particulièrement bien pensée où pour une fois, il ne faut pas valider cinquante fois pour effectuer une action (évitant les traumatismes causés par Hoshigami à ce niveau) puisque l’affichage des estimations se fait en survol. Une innovation d’interface toute simple mais intéressante puisqu’il ne faut que trois validations pour agir : choisir son personnage, choisir son déplacement, choisir sa cible. Dans d’autres jeux, il faut valider une première fois sa cible pour afficher les estimations de combats. Le système de Free-Stage est également sympathique. Contrairement à Final Fantasy Tactics où les niveaux des monstres des rencontres aléatoires sont basés sur le niveau de l’équipe, les niveaux des monstres sont fixes. Avantage : il devient aisé de monter des personnages faibles sans les exposer aux dangers. Inconvénient : de nombreux Free-Stage deviennent rapidement inutiles. A moins de vouloir « farmer » de la pierre de compétence (quand je vous disais que c’était ce système qui donnait toute sa grandeur et sa cohérence au jeu).

Enfin, le scénario n’est pas en reste car même si de nombreuses libertés sont prises et même si les personnages ne sont pas forcément aussi charismatiques que dans Final Fantasy Tactics, les rebondissements sont nombreux, les personnages sont attachants et les nombreuses scènes animées viennent récompenser les efforts du joueur. La trame n’est pas bien complexe et pâlit de la comparaison avec Final Fantasy Tactics ou Tactics Ogre, mais elle ne s’en tire pas si mal, avec quelques moments bien dramatiques comme il faut. Dommage sur les musiques ne soient pas plus nombreuses. La durée de vie du jeu est tout à fait correcte, avec une trentaine de missions de scénario et des Free-Stage, avec en plus des éléments à débloquer une fois le jeu terminé. Sans atteindre la densité d'annexes de Final Fantasy Tactics ou l'abusive complexité et longueur de Disgaea, Jeanne d'Arc demeure tout à fait honorable (comptez 50h de jeu pour en voir le bout).

A chaque instant, ce qui transpire de Jeanne d’Arc, c'est une impression de jeu bien pensée, à tous les niveaux. Le principal reproche que je lui fait est cette tendance à exiler provisoirement les personnages du scénario, ce qui oblige à monter d’autres personnages et à faire varier ses stratégies. Un mal pour un bien car à la fin du jeu, on dispose de pas moins de neuf personnages et c’est précisément à ce moment que l’on est bien content d’avoir développé plusieurs personnages. D’ailleurs le nombre de personnage dans les batailles fait parti des bons points du jeu. Jeanne d’Arc se permet de corriger les nombreux défauts courants de ce genre de jeu et d’offrir des règles permettant de changer un peu les stratégies communes. C’est un jeu à l’image de son scénario, sans grande ambition, très humble mais finalement très réussi.

En fait, et c’est le constat que l’on fait après plusieurs heures de jeu, c’est qu’il est tellement réussi qu’il fait sans aucun doute possible parti des meilleurs jeux du genre depuis de nombreuses années. Avec Final Fantasy Tactics, Disgaea et Jeanne d’Arc, la PSP se dote d’une prestigieuse collection de Tactical-RPG et devient la nouvelle petite reine du genre, bien que la DS soit une rivale de taille. Jeanne d’Arc est donc une nouvelle référence du Tactical-RPG et même si je lui préfère toujours Final Fantasy Tactics (avec ses énormes qualités mais aussi ses gros défauts), la première incursion de Level-5 est plus que concluante. Voilà un jeu que je recommande particulièrement à ceux qui veulent découvrir le Tactical-RPG sans avoir à se taper la folle richesse de contenu de Disgaea qui oblige à y passer sa vie ou les énormes pics de difficulté de Final Fantasy Tactics. Il serait bon que Jeanne d’Arc sorte en France dans une version localisée, c’est un jeu qui pourrait se trouver un large public, surtout que la thématique ne nous est pas étrangère.

Le retour des salles d'arcade

Yan Fanel — Fri, 11 Jan 2008 13:49:00 GMT

Autant couper court aux faux espoirs, non l'arcade en France continue de très mal se porter et il n'y aucune chance que les choses s'améliorent dans les années qui viennent. Par contre, globalisation d'internet et du jeu en ligne offre de nouvelles opportunités de jeu en ligne parfois très divertissantes. Ainsi, depuis plusieurs années maintenant, on peut jouer aux vieux jeux d'arcade par le biais de l'émulation, notamment grâce à MAME, l'émulateur le plus célèbre qui permet de rejouer à loisir aux jeux qui ont bercé notre jeunesse.

Le plus intéressant est la possibilité de jouer en ligne à ces vieux jeux, par l'intermédiaire d'un client Kaillera. Ainsi, on peut rejoindre des serveurs où l'on peut découvrir avec une certaine joie des parties de Street Fighter 2 ou de King of Fighters en ligne, ou simplement se faire un petit Beat'em All en ligne, comme Final Fight ou Double Dragon.

Je n'ai jamais été un grand adepte de ces pratiques, mais il faut bien avouer que ces nouvelles possibilités sont vraiment intéressantes. Le plus notable est que la scène de l'émulation évolue rapidement et de plus en plus de jeux sont disponibles, surtout "reçents". Il y a quelques années, j'étais stupéfait de pouvoir m'adonner à Street Fighter Zero 3 en ligne, qui a longtemps été l'un des jeux les populaires.

Il y a quelque temps, j’ai pu découvrir avec stupéfaction que la carte arcade CPS 3 de Capcom était enfin émulé. Un événement majeur car durant de nombreuses années, c’était la carte maudite, celle qui restait la plus mystérieuse, l’une des meilleurs cartes arcade 2D et accessoirement, celle qui faisait tourner le sacro saint Street Fighter 3 3rd Strike, ce petit bijou de Capcom qui se joue encore actuellement.

Du coup, je me suis lancé dans la quête du Graal et je peux enfin tourner mes impressions. C’est absolument nickel. J’ai d’abord essayé avec le cps3emulator et ce fut une véritable surprise. Bon, il y a quelques petites subtilités à connaître pour faire fonctionner la chose mais rien d'insurmontable. Evidemment, je ne peux que vous conseiller d’utiliser un adaptateur manette (PS2 par exemple) pour apprécier la chose. A vous la joie des Parry et des combos furieux.

Du coup, cela a relancé mon intérêt pour l’émulation et m’a rappelé de vieux souvenirs où je découvrais les joies du jeu en ligne sur de bons vieux jeux d’arcade. Je me suis surpris à avoir envie de refaire quelques matchs online. Je ressors mon Z-Ryu d’outre tombe et j'arrive directement contre un très bon Guy, qui maîtrisait bien les différents combos et priorité. Bref, c’est la raclée. La morale de l’histoire, c’est qu’il est toujours impressionnant de pouvoir se mesurer aux joueurs du monde entier. Enfin, il vaut mieux qu'ils ne soient pas trop loin pour avoir un ping acceptable.

Mais c’est en jouant à Street Fighter Zero 3 en ligne que j’ai fait une autre découverte : des gens jouaient à Street Fighter 3 3rd Strike en ligne également ! Là, c’est le choc : sitôt le jeu émulé, on peut le faire tourner sur MAME et bénéficier du même client Kaillera. Après quelques minutes de recherche de ladite version, j’ai pu enfin découvrir à mon tour les joies de Street Fighter 3 3rd Strike en ligne. Comme pour ma précédente expérience, je suis tombé sur un Ken furieux et la différence de niveau était juste énorme.

Que ce soit avec Street Fighter Zero 3 ou Street Fighter 3 3rd Strike, si vous jouez contre quelqu'un avec un bon ping, l'expérience de jeu est presque de la même qualité que si vous aviez la personne à côté de vous. Bon, ce n'est pas forcément simple à mettre en place : il existe tout un tas de versions de MAME et j'ai bien du installer dix émulateurs différents pour pouvoir rejoindre les parties que je voulais, car il vaut mieux jouer avec le même émulateur que la personne en face. Ainsi, j'ai téléchargé WinKawaks 1.49 (émulateur Capcom CPS1, CPS2 et NeoGeo) avant de me rendre compte que tout le monde utilisait encore la 1.48. Pour Mame, c'est encore pire, vu les nombreuses versions. Ainsi, il faut MAME32++ 0.117 pour jouer à Street Fighter 3, et plutôt Mame32k 0.67 pour jouer à Street Fighter Zero 3.

Résultat, on peut désormais se retrouver à plusieurs dans ces équivalents virtuels des salles de jeux où l'on peut jouer à de nombreux vieux jeux en ligne. Quoi de plus excitant que de rencontrer sans cesse de nouveaux adversaires, d'organiser des petits tournois en ligne ou simplement de redécouvrir sous un nouveau jour certains vieux jeux ? Ainsi, la scène de l'émulation permet même de jouer à Tekken 3 en ligne et certains jeux se refont une jeunesse par ce biais, comme Super Smash Bros. ou Golden Eye 007 sur Nintendo 64, qui sont également jouables en ligne, grâce à l'émulateur Project64.

Enfin, ma dernière découverte dans le genre fut la possibilité de jouer à Guilty Gear online ! Non pas par le biais d'émulateur cette fois mais par le biais de la version japonaise de Guilty Gear XX #Reload qui était sortie sur PC et qui trainait depuis des années sur mon disque dur, simplement pour le plaisir de jouer sur PC à un jeu moderne (et d'excellente qualité).

Des amateurs ont réalisé un patch avec un client pour jouer en ligne et il existe un tutorial bien fait permettant de faire les manipulations nécessaires. Après quelques déboires techniques (Mais pourquoi le patch ne s’installe pas ? Comment on lance le jeu en fenêtré ? Pourquoi je ne vois personne dans la salle du jeu ? Comment on fait pour ouvrir un port spécifique de son Firewall…), je parviens à rejoindre la salle et j’ai pu commencé à affronter certains joueurs, avec des pings relativement faibles. Et ce fut une expérience intéressante, ça faisait des années que je n’avais pas joué à Guilty Gear et j’ai découvert de très bons adversaires. Même si cette version de Guilty Gear est obsolète, c’est un véritable plaisir de jouer en ligne.

De plus, et c'est une autre leçon à retenir, c'est qu'il y a peu de possibilités dans ce client online, mais du coup, tout va plus vite ! Inutile de chercher un serveur, ça se joue à P2P, inutile de créer une salle spécifique pour le jeu, tout le monde est là pour jouer au même jeu. Inutile de discuter, puisqu'on ne peut tout simplement pas ! Du coup, sitôt qu'un adversaire apparait dans la liste avec ping correct, il suffit de le défier et de combattre. On retourne dans la salle après le combat terminé et on peut remettre ça, sans fin. Ca va vite, et du coup, on peut faire beaucoup de partie sans perte de temps.

Les salles d'arcade ne sont pas mortes, elles ont simplement changé de forme ! Et les nouvelles possibilités qu'elles offrent (choix des jeux, choix des adversaires...) ouvrent de nouvelles perspectives.

Dead Rising de Capcom (2006)

Yan Fanel — Fri, 11 Jan 2008 13:09:00 GMT

Il y a des jeux qui sont de véritables perles mais qui ne se laissent pas dompter facilement. De nos jours, ce genre de jeu est de plus en plus rare, les standards actuels en matière de conception se tournant vers une accessibilité de plus en plus aisée et une certaine facilité. De même, il s’agit d’éviter les moments de frustration du joueur ou du moins, les utiliser avec suffisamment d’intelligence pour ne pas nuire à l’expérience de jeu. Ce bref récapitulatif de quelques bases de game design n’est pas anodin car le jeu dont j’ai choisi de parler aujourd’hui, Dead Rising, n’hésite pas à exploser toutes les règles de l’art en la matière. Pour une fois, je vais raconter le jeu tel que je l’ai perçu car il y a vraiment eu deux temps forts dans mon appréciation du jeu.

Les premiers pas dans Dead Rising sont assez déroutants car il est difficile de se faire une idée du style de jeu. On incarne un reporter à la recherche d’un scoop phénoménale qui a demandé à un hélico de le lâcher dans une ville en quarantaine qui semble plutôt dérangée. La première séquence de jeu rappelle un bon vieux jeu de tir où il faut shooter des événements avec un appareil photo. La ville est en état de siège, à feux et à sang, mais personne ne sait vraiment ce qui s’y passe. Bon, ne soyons pas dupe plus longtemps, n’importe qui ayant vu la boîte sait qu’il s’agit d’une invasion de zombies. D’ailleurs, ceux qui s’y connaissent se rappelleront avec émotion les précédents jeux de Capcom sur le thème des zombies, fortement inspirés des films de John Romero comme la fameuse série Resident Evil 4, dont le quatrième volet était l’apogée dans le domaine de l’action.

On comprend que l’appareil photo semble jouer un rôle important dans le gameplay et l’on se retrouve ensuite dans un gigantesque centre commercial qui sera l’unité de lieu du jeu. On se retrouve parachuté dans un centre de sécurité qui sera la « base » pendant le reste du jeu et on rencontre différents personnages dans le centre. Evidemment, les choses se gâtent rapidement et les zombies envahissent la zone. Et quand je dis envahir, je pèse mes mots car c’est une véritable armée qui va débarquer sur les lieux, par paquets de dix. Sans aucune exagération, le nombre de personnage affiché atteint allégrement la centaine, ce qui met une pression énorme. Les zombies répondent à toutes les caractéristiques habituelles nécessaires pour le gameplay : ils sont lents, idiots et peu résistants. Manque de chance, on démarre le jeu sans aucune autre arme que son pauvre appareil photo, qui malheureusement, ne fait pas le moindre effet aux zombies, contrairement à un jeu comme Project Zero. Différents objets sont disponibles sur le sol et le massacre peut alors commencer : c’est du délire intégral, on peut utiliser une batte de base-ball, une poubelle ou carrément un banc pour défourailler les dizaines de zombies devant soi.

A ce moment, on commence à comprendre certaines choses : Dead Rising ne va pas faire dans la finesse et offre une bonne densité de gameplay différents. En naviguant un peu dans les magasins, on se rend compte que l’on peut interagir avec beaucoup d’objets, ce qui confère au titre un aspect « bac à sable » assez intéressant. Ca commence donc plutôt bien, les premières impressions sont vraiment bonnes : c’est fun, particulièrement sanglant et très riche. On se dit que c’est plus proche d’un Beat’em All que d’un Survival-Horror mais on se demande quand même depuis quand les Beat’em All ont des armes cassables…

Après quelques heures de jeu, le deuxième effet kiss-cool commence à pointer le bout de son nez et Dead Rising dévoile sa véritable nature : un jeu riche, intéressant mais qui frustre le joueur a un point rarement atteint. Premier choix qui semble étrange, toutes les armes cassables : on ne peut frapper qu’une certain nombre de fois et elles finissent implacablement par se casser. Il n’y a donc aucun sentiment de sûreté dans les armes, à l’inverse de Resident Evil. Autre point, les armes ne sont pas forcément faciles à trouver. On trouve souvent des objets dont on peut se servir un peu partout mais vu la masse de zombies, c’est totalement insuffisant. Manque de bol, si les armes ne sont pas évidentes à trouver et cassables, le nombre indécent de zombies dans chaque zone oblige à se frayer un chemin dans le sang et la douleur. Il y a tout simplement trop de zombies, il n’est possible de nettoyer la zone et quand bien même on le ferait, ils repeuplent immédiatement la zone dès qu’on la quitte. Mais que faire alors ? Concrètement, à part se frayer un chemin à travers les hordes de zombies tant bien que mal, il n’y a pas grand-chose à faire en face d'un tel surnombre. Mais comme si ce n’était pas suffisant, on se rend rapidement compte que tout le jeu est en temps limité : on dispose de trois jours, soit 72 heures pour résoudre l’affaire. Ami du jeu en temps limité initié avec The Last Express et magnifié par Legend of Zelda : Mask of Majora, bonsoir.

Dead Rising ne laisse pas un instant de répit au joueur. Seulement, dans Mask of Majora, on progresse petit à petit, il existe un moyen de ralentir l’écoulement du temps et lorsque c’est foutu, on entonne le chant du temps pour repartir trois jours en arrière et recommencer les actions qui ne peuvent être sauvegardées. Dans Dead Rising, il n’y a rien de tout cela. Il y a deux types d’objectifs qui structurent le jeu : les objectifs de la trame principale (les « cas ») et les objectifs secondaires qui sont optionnels. Mais en aucun cas, il n’est possible de revenir en arrière. Etant donné la taille du centre commercial, il faut beaucoup de temps devant soi pour explorer les recoins. C’est là que le bat blesse. Tout joueur normalement constitué va essayer de résoudre tous les objectifs. Manque de bol, Dead Rising ne l’entends pas de cette oreille et il sera déjà très délicat de se concentrer uniquement sur la trame principale. Il en résulte une énorme frustration : Dead Rising met déjà la pression en permanence, en anéantissant tout sentiment de sécurité. On est agressé en permanenc et garantir sa propre survie est déjà une tache titanesque. Mais en plus, Dead Rising ajoute une énorme dose de stress par la notion d'objectifs en temps limité.

Les premières heures de jeu sont tout simplement insoutenables : on navigue péniblement, on est contraint de laisser mourir la plupart des personnes à sauver, on porte peu d’objets, les boss sont « à la Capcom », c’est-à-dire très difficiles et le système de sauvegarde vient achever toute la bonne foi qui peut rester au joueur, car celui-ci a également bénéficié de la touche « stress permanent » appliquée à l’intégralité des composantes de gameplay du jeu. Du coup, on peut sauvegarder à quelques endroits du jeu, assez éloignés, dont le centre de sécurité et les toilettes. Malheureusement, il n’est possible de sauvegarder qu’un seul profil. Impossible de réaliser des sauvegardes annexes à différents moments. La difficulté du jeu rend la progression délicate et les retours à la sauvegarde précédente réguliers. Ouille, ça commence à faire beaucoup dans la balance là. Enfin, de nombreuses missions à effectuer sont des escortes et malheureusement, l’IA des alliés est catastrophique.

Pire encore, il n’y a pas de « Friendly Fire », si l’on veut aider ses alliés à se dégager, il n’est pas rare de les massacrer soi-même. C’est ce qui m’est arrivé après une escorte remarquablement bien menée : j’ai traversé l’essentiel du centre commercial, j’allais ramener la personne au centre de sécurité et elle s’est retrouvée submergée. J’ai sorti alors mon katana et l’accident est survenu, j’ai tranché mon escorte en deux. Des exemples d’accidents et de frustrations dans ce genre, Dead Rising en abonde. A un autre moment, j’ai effectué un objectif en temps limité dans les temps et finalement, j’ai appris que l’heure de l’objectif suivant (obligatoire) avait déjà expiré… Manque de bol, j’avais sauvegardé… Je réfléchis un instant et vu le système de sauvegarde, je constate qu’il n’existe plus qu’une seule et unique solution : tout commencer à zéro. Je ne suis pas obligé, puisqu’on peut continuer à jouer même en ayant raté la trame principale. Mais tout de même, c’est là qu’une haine profonde m’envahit et que l’envie d’abandonner le jeu s’installe dans mon esprit. J’hurle au scandale, à l’hérésie de conception, je peste contre les choix douteux du jeu et je me dis que j’ai gâché une journée en essayant ce jeu. Fin du premier acte.

Finalement, je me décide, après une longue hésitation, à relancer le jeu. Tant bien que mal, je commence à comprendre comment fonctionne Dead Rising. Ainsi, s’il n’est possible de faire qu’une seule sauvegarde à la fois, il est possible de reprendre le profil de son personnage à tout moment pour recommencer le jeu (sorte de New Game + sur commande, pour ceux qui connaissent). Du coup, je peux profiter des quelques niveaux d’expérience que j’ai acquis, ce qui me permet de recommencer avec plus de vie et plus d’objets à disposition. Et la simple amélioration de ces deux paramètres change complètement la vie. Je commence à entrevoir le potentiel du jeu, après quelques heures de jeu tout de même. J’imagine qu’un profil avec beaucoup d’expérience peut se permettre de sauver plus de personnes. Mieux encore, à force d’exploration, je commence à rentrer dans le système de jeu. Maintenant, je connais les objectifs, je connais les zones à risque et les passages plus faciles. Je navigue plus facilement dans ce dédale.

Je m’aperçois que les premières heures de jeu laissent de la marge pour faire de l’exploration et je découvre l’existence de boutiques qui offrent des stocks infinis d’armes puissantes ou de soins. Ainsi, ma deuxième partie démarre nettement mieux et je décide de me consacrer avant tout aux objectifs du scénario. En gros, je dispose désormais d’armes suffisantes pour lutter contre le stress permanent du jeu et petit à petit, je dompte le système de jeu et parviens à m’amuser. Je découvre petit à petit les subtilités du jeu, qui permettent d’améliorer ses chances de survie, comme les effets des différentes armes, la possibilité d’augmenter la résistance des objets, les différents moyens de locomotion comme le skateboard, ou la moto. Il existe tant de choses pratiques qui peuvent simplifier la vie dont je n’avais pas conscience, parce qu’on ne m’avait pas tenu la main pour me les montrer une par une. Dead Rising est un jeu volontairement horripilant qui force le joueur à souffrir comme rarement, pour ensuite lui laisser doucement entrevoir des chances de salvation et finalement lui offrir un bonne dose de fun.

Bon, il reste quelques passages de frustration extrême, il n’y a rien à faire pour les escortes, à part s’équiper d’une arme non mortelle et de dégager le passage, certains boss sont vraiment chauds et exigent des nerfs d’acier (alors que les confrontations contre d’autres tournent au massacre). Bref, l’expérience de jeu devient de plus en plus plaisante à mesure que l’on rentre dans le jeu et que l’on se fait aux systèmes. Ainsi, je me surprend à apprécier l’univers, à avoir envie de continuer l’aventure même lorsqu’elle se révèle frustrante. Je ne me cache pas, j’ai du avoir recours à certaines FAQ tant la difficulté et la frustration auraient pu me faire plier bagage pour d’autres ciels plus cléments.

Mais le plaisir de jeu est bien là et je suis désormais rassuré, Dead Rising est un bon jeu. Il possède de grandes forces, comme son originalité, qui en fait un jeu totalement inclassable (il utilise allégrement des notions de jeu d’action, de Beat’em All, de RPG, comme de bac à sable car tout ce qui traîne est une arme potentielle…), un aspect ouvert qui le rend particulièrement plaisant une fois que l’on commence à s’en sortir. C’est un jeu à la pointe du game design sur certains points, maître absolu dans le domaine de la tension permanente à un point qu’aucun jeu à ce jour n’a pu égaler, mais qui pêche par des défauts de conception énormes (des tonnes de contrôles pas forcément ergonomiques, les phases d’escortes ou globalement, l’impossibilité de finir la plupart des quêtes). De même, il y a tellement de composantes dans le gameplay, que l’on se demande parfois leur intérêt. Il y a beaucoup d’armes possibles, loin d’être aussi efficaces les unes par rapport aux autres, la composante photographie est finalement très négligeable : elle rapporte beaucoup moins de points que les escortes ou les morts de certains ennemis. Dead Rising donne parfois une impression de gigantesque fourre-tout basé sur un centre commercial et des zombies. Mais le fun reste très présent quoiqu’il arrive, dès que l’on parvient à contourner la frustration que veux générer le jeu. Et il dispose d'une tonne de petits secrets, de petits trucs simplement fun ou qui permettent de mieux s'en sortir.

Si vous voulez apprécier Dead Rising, il va falloir faire des efforts non négligeables mais en récompense, vous obtiendrez une expérience de jeu particulièrement exaltante et surtout rafraîchissante. En quelques mots, Dead Rising est passionnant mais exigeant et à peu près autant « oldschool » qu’avant-gardiste. C'est un gros bras d'honneur aux standards actuels qui fait le choix de faire souffrir le joueur avant de lui donner de l'oxygène, qui oblige le joueur à rentrer dans son système de fonctionnement et dans sa propre logique, sans lui offrir le luxe d'un ticket d'entrée progressif. Une sorte de vieux rêve de gamer devenu réalité, fait par des gamers pour d'autres gamers.

Super Mario Galaxy de Nintendo (2007)

Yan Fanel — Wed, 26 Dec 2007 15:06:00 GMT

Un nouveau Mario est toujours un événement dans l’univers du jeu vidéo. On se souvient de la révolution de la plate-forme 3D initiées par Super Mario 64, qui apportait un contrôle analogique et faisait la part belle à l’exploration 3D. L’écho laissé par son successeur, Super Mario Sunshine, aura été moins unanime, à cause de quelques problèmes de caméra et d’une difficulté parfois cruelle. Mais son apport fut néanmoins très conséquent en terme de challenge et de level design. La sortie de ce volet Wii est particulièrement importante, ne serait-ce que parce qu’il s’agit du troisième Mario en 3D, qui plus est, sur une machine au fort potentiel novateur (ou du moins, estimée comme tel). L’occasion de constater si la créativité et la maîtrise du genre de Nintendo font encore école, à l'heure où les différents concurrents de Mario ont achevé leurs carrières en s'écrasant les uns après les autres, Sonic en tête.

Visuellement, Super Mario Galaxy montre la Wii sous son plus beau jour. Les couleurs sont chatoyantes, les textures sont étonnement fines et les nombreux petits effets de réfraction montrent que même si la Wii ne peut rivaliser avec les autres machines, elle est capable d’afficher de fort belles choses, pour peu qu’un soin particulier soit apporté par des artistes talentueux. Sans être d'une beauté renversante, les différents décors de Super Mario Galaxy possèdent une âme et une rare propreté. L’aspect technique est également brillant, le jeu tourne de manière parfaitement fluide, il n’y a jamais de bugs d’affichage ou de baisse de framerate, rien qui ne saurait troubler le gameplay. Le contrat est donc parfaitement rempli en terme visuel, dans les limites des capacités de la Wii, bien évidemment.

Au niveau du contrôle, Super Mario Galaxy reprend les grandes lignes de ces prédécesseur : le contrôle est d’une grande simplicité, Mario répond au quart de tour et les différents mouvements présents dans les anciens opus ont été conservés : triple saut, saut inversé, saut sur les murs... Seul le petit saut vers l’avant, que l’on pouvait enchaîner à l’infini dans Mario Sunshine, semble avoir été oublié mais un petit mouvement permet désormais d’atteindre une plate-forme proche facilement, afin de remédier aux petits manques de rigueur du joueur. Cela facilite la vie et permet de ne pas sanctionner les petites erreurs d'appréciation. Un choix qui entre pleinement dans la logique de Nintendo pour ce Super Mario Galaxy.

La première nouveauté concerne la caméra, qui se place systématiquement de manière à donner une vision optimale de la situation (ou du moins, essaye d’arriver à ce résultat). On passe beaucoup moins de temps à jouer avec la caméra que dans Mario Sunshine, et on ne peut plus contempler à loisir les niveaux. Derrière ce choix, on sent une volonté de réduire la part de l’exploration par rapport à l’action : désormais, les niveaux sont plus étroits, plus simples et regorgent moins de petits secrets. En remplacement, la plate-forme plébiscitée dans les niveaux spéciaux de Mario Sunshine, reprend ses droits. Super Mario Galaxy est donc plus directif et plus linéaire que Mario Sunshine. Le travail effectué sur la gestion de la caméra est titanesque mais il reste encore quelques passages où la caméra est lancée en freestyle. Personnellement, je regrette un peu la liberté de contrôle de la caméra de Super Mario Sunshine, qui était une constituante du jeu à part entière : une personne sachant bien jouer à Mario Sunshine contrôle bien son personnage et gère impeccablement la caméra pour lui faciliter ce contrôle. Dans Super Mario Galaxy, la gestion de la caméra passe complètement au second plan, probablement dans le but de rendre le jeu plus accessible. Il est possible d’avoir la main sur la caméra, mais c’est devenu très rare et cela se ressent parfois, lorsque l’on veut faire une action non prévue par les concepteurs. Quoiqu'il en soit, cette facilité aura pour principale conséquence de réduire le temps à gérer la caméra pour laisser le joueur se concentrer sur les différentes situations.

L’autre nouveauté réside dans le contrôle à la Wiimote, permettant de pointer à l’écran : très utile pour ramasser les différents fragments d’étoiles ou pour se suspendre à un grappin. On sent bien que l’apport de la Wiimote ne renouvelle pas totalement la manière de jouer, Nintendo se contente de l’utiliser en tant que « plus », comme dans Zelda Twilight Princess, plutôt qu’en tant que « cœur ». Néanmoins, les passages tirant parti des fonctionnalités de la Wiimote permettent de rompre la monotonie. Il est clair que la quasi intégralité du gameplay aurait été transposable sur une autre machine, mais finalement, les fonctionnalités de la Wiimote doivent être utilisées jusque comme il faut, à bon escient. Quand Nintendo a réalisé Mario Kart DS, il ne s’est pas encombré de l’écran tactile et du stylet parce que ce n’était pas nécessaire. Dans Super Mario Galaxy, le recours à la Wiimote n’est pas indispensable mais permet de renouveler les sensations de jeu, quand ils estiment en avoir besoin. L’outil ne doit imposer son diktat mais servir les concepteurs à créer des expériences intéressantes. Inutile de forcer l’utilisation quand ce n’est pas nécessaire. L'essentiel étant que le contrôle ne pose aucune difficulté, même lorsque l'on se retrouve la tête à l'envers, ce qui est plutôt fréquent.

Cette aspect directif se retrouve dans les structures du jeu : il est toujours question de différents objectifs à réaliser dans un monde, bénéficiant de quelques calques différents selon les missions, afin de ramasser les étoiles. Les étoiles cumulées permettent toujours de débloquer différents niveaux (galaxies, dans le cas présent), mais l’accès à ces niveaux est moins ouvert que dans les précédents volets. Ceux qui aimaient jouer de manière horizontale, en ramassant les étoiles dans des niveaux différents, risquent d’être un peu deçu. En revanche, cela ne changement absolument rien pour ceux qui jouent de manière verticale, en ramassant toutes les étoiles d’un monde avant de passer au suivant. Tout du moins, cela ne sera plus possible d’une seule traite, certains événements (libérer Luigi, les comètes…) sont déblocables au fur et à mesure. A travers l’aspect structure et la caméra, on sent une volonté de revoir la copie : plus directif, plus orienté action que recherche, Super Mario Galaxy témoigne d’une nouvelle orientation de Nintendo.

Le cœur du jeu réside dans les différents niveaux et plusieurs thèmes se dégagent largement : Super Mario Galaxy est basé sur les concepts des galaxies, des mini-niveaux très courts que l’on explore et qui sont autant de situations de jeux différentes. En parallèle à ce concept des galaxies, qui n’est pas anodins, Super Mario Galaxy aurait pu s’appeler Super Mario Gravity, tant la gestion de la physique fait parti intégrante du gameplay. De nombreuses situations de jeu font appelle à la physique, ce qui fait que l’on se retrouve régulièrement à jouer dans des situations assez improbables, la tête en bas, ou à utiliser l’attraction des planètes pour parvenir aux objectifs. Enfin, la dernière tendance de Super Mario Galaxy réside dans le fanservice omniprésent : que ce soit les musiques orchestrales ou les niveaux, on sent une volonté de puiser dans la nostalgie des joueurs, qui se rappelleront les bateaux de Super Mario Bros. 3 ou certains thèmes d’autres épisodes. Je laisse cette appréciation à chacun, personnellement, j’adore les Mario et ça me fait plaisir.

Le concept des galaxies permet de créer des situations très différentes au sein d’un même niveau, sans ce soucier de la cohérence de l’ensemble. Les mondes sont orientés selon une thématique visuelle, mais en terme de gameplay, les situations surgissent de partout, sans crier gare. Les phases de confrontation s’enchaînent avec des phases de recherche, de dextérité, le tout avec un rare brio. Super Mario Galaxy n’est pas un jeu avare, et l’on y découvre un foisonnement d’idées de gameplay et de situations de jeu. C’est simple, on retrouve plus d’idées dans Super Mario Galaxy que dans les deux premiers volets réunis ! A ce niveau, Nintendo a fait très fort en terme de level design. C’est certainement le jeu de plate-forme le plus inventif depuis Yoshi’s Island sur SNES. Un véritable melting pot qui emprunte à beaucoup de titres de la firme : des passages sur l’eau à la Wave Race, des vols planés dignes de Pilot Wings, des passages tubulaires à la F-Zero X, des séquences de plate-forme en 2D… Nintendo ne cache pas son héritage, bien au contraire, il s’en sert à tout moment pour exhiber sa monstrueuse maîtrise du genre. Et cela fonctionne avec une efficacité qui culmine parfois au génie.

Si dans Mario 64, les sauts étaient exigeants, si dans Super Mario Sunshine, on pouvait doser et ajuster les sauts avec les jets d’eau, Super Mario Galaxy fait un pas de plus vers l’absence de sanction, puisque sur de nombreuses planètes, il n’est tout simplement pas possible de tomber. Il est évident que c’est une approche très grand public, mais Nintendo sait jouer à cette règle en la retirant pour créer de la vraie tension. Super Mario Galaxy n’exige pas une précision diabolique, mais du coup, se révèle plus facile et moins frustrant que Super Mario Sunshine. Les piques de difficulté sont beaucoup moins violents. A titre d’exemple, le seul passage m’ayant réellement ennuyé consistait à détruire des débris avec des bombes, qui avaient un temps de latence extrêmement long. Les autres séquences un peu limites sont les passages où Mario monte sur une boule, peu précis et pas si amusants. Autant dire que 5% du jeu est limite, 75% est excellent et 20% touche au franchement grandiose.

Super Mario Galaxy donne une impression de plénitude. C’est un jeu planant, produit d’un travail d’orfèvre, dans lequel on progresse avant grand plaisir, en affrontant des situations toujours plus surprenantes, toujours plus différentes. Le challenge est moins délicat que dans Super Mario Sunshine, ce qui fait que les habitués vont y progresser assez rapidement. Sans y jouer plus de 6 heures, j’ai terminé le jeu en un petit week-end sans grande difficulté. Pourtant, c’est avec un grand plaisir que j’ai enchaîné les différentes étoiles, en me demandant à chaque fois comment ils allaient s’y prendre pour créer des situations différentes.

Super Mario Galaxy ne se joue pas, il se dévore sauvagement. J’ai bien eu quelques vies perdues (dérisoires vu comment le joueur est gavé de 1up), j’ai du recommencer certaines séquences plusieurs fois, mais jamais je n’ai ressenti la moindre animosité envers les contrôles ou de la frustration. Le challenge est toujours à la portée de n’importe qui, calibré pour que tout le monde puisse prendre du plaisir et jouer dans ses environnements époustouflants. Certainement trop facile et trop court pour les gamers, le voyage est tellement merveilleux que cela n’a pas trop d’importance. Alors que je ne termine plus tous mes jeux à 100%, je me suis lancé avec plaisir à la conquête des 120 étoiles de Super Mario Galaxy, sans me poser la moindre question. Ce n’est jamais trop long, jamais trop chiant, jamais trop répétitif.

C’est cette variété de situation qui donne à Super Mario Galaxy toute sa puissance. Certains niveaux sont monstrueux (une dizaine) et si les autres sont moins anthologiques, ils sont tout de même diablement agréables et contiennent des idées de gameplay et de situations à ne plus savoir qu’en faire. Après avoir écumé des centaines de jeux, j’ai eu cette impression naïve de redécouvrir de l’émerveillement dans Super Mario Galaxy, des choses que je n’avais pas vu avant, ni dans Super Mario 64, ni dans Super Mario Sunshine. Des petits « Waouh » d’admiration en découvrant certains passages viennent régulièrement ponctuer la progression, fait plutôt rare ces derniers temps.

Super Mario Galaxy est un régal, une explosion de bonnes idées avec une exécution magistrale et un challenge parfaitement dosé. C’est un émerveillement de tous les instants qui ne cède jamais ou très peu à la facilité. Il aurait été possible de concevoir un jeu ou même deux avec seulement la moitié des idées contenues dans Mario Galaxy. Pourtant, Nintendo a casé tout ce qu’il était possible de faire, en poussant son concept des galaxies à son maximum. On pourra toujours regretter la facilité de l’ensemble, certaines étoiles un peu gratuites, quelques problèmes de caméra, l’absence de séquences de jeu où il faut véritablement se dépasser, des boss un peu faiblards et quelques niveaux copiés-collés. Mais ce n’est rien à côté du plaisir passé à écumer les différentes galaxies. Un fabuleux voyage, à la portée de tous, qui est certainement la perfection recherchée par Nintendo dans ce genre. Non pas qu’il soit inattaquable ou absolument parfait, mais il correspond exactement aux désirs de la cible de Nintendo.

Une brillante réussite dont il y aurait beaucoup de leçons à tirer et qui en profite par la même occasion pour nous redonner notre âme d'enfant. Et puisque si Shigeru Miyamoto lui-même est à l'origine du concept, je tenais avant tout à saluer le travail de Yoshiaki Koizumi, le Lead Game Designer qui est le véritable homme derrière Super Mario Galaxy, ainsi qu'à la remarquable équipe de Level Designers qui a effectué une remarquable démonstration de créativité. Voilà en tout cas pour ma part le jeu le plus important et le plus marquant de cette belle année 2007.

Les Yan's Awards 2007

Yan Fanel — Wed, 19 Dec 2007 15:01:00 GMT

Comme à chaque fin d’année, il est temps de faire un petit compte rendu de l’année qui vient de s’écouler. Je me suis donc fendu de mon petit top personnel pour cette année 2007 qui aura été riche en sorties de qualité.Cette année, beaucoup de personnes se sont livrés à cet exercice avec parfois une certaine originalité. De mon côté, je reste sur des classiques avec un podium global, un classement par composante, par genre et par plate-forme. S'il n'y a qu'une chose à retenir cette année, c'est que 2007 aura été une bonne année pour le jeu vidéo avec des sorties de qualité et quelques jeux particulièrement innovants.

Petit détail, je ne prend en compte que la première sortie de chaque jeu (ni Final Fantasy XII, Metal Gear Portable Ops, ni Valkyrie Profile Silmeria, Jeanne d'Arc, Okami n'entrent pas le top 2007) et j'ai privilégié les exclusivités chaque fois que c'était possible. Si certaines choses peuvent surprendre, comme BioShock et Mass Effect qui ne sont pas au top de leurs catégories respectives alors que je les cite en "jeu de l'année", c'est simplement qu'ils ont une portée plus large que leur genre et que d'autres jeux peuvent être plus efficace dans un domaine, sans proposer une expérience de jeu aussi développée.

J'ai essayé la plupart des jeux cités mais pas tous, aussi je ferais sûrement quelques ajustements au fur et à mesure.

MEILLEUR JEU DE L'ANNEE 2007 :
1) Super Mario Galaxy (Nintendo / Nintendo sur Wii)
2) BioShock (Irrationnal Games / 2K Games sur PC et Xbox360)
3) Mass Effect (BioWare / Microsoft Game Studios sur Xbox360)

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JEU LE PLUS INNOVANT :
- Portal (Valve Software / Valve Software sur PC et Xbox360)
- Game Center CX : Arino no Chousenjou (Namco Bandai / Namco Bandai sur DS)
- Super Mario Galaxy (Nintendo / Nintendo sur Wii)

MEILLEUR GAMEPLAY :
- Super Mario Galaxy (Nintendo / Nintendo sur Wii)
- The Legend of Zelda : Phantom Hourglass (Nintendo / Nintendo sur DS)
- Metroid Prime 3 : Corruption (Retro Studios / Nintendo sur Wii)

MEILLEUR VISUEL :
- BioShock (Irrationnal Games / 2K Games sur PC et Xbox360)
- Crysis (Electronic Arts / Crytek pour PC)
- Assassin’s Creed (UbiSoft sur Xbox360 et PS 3)

MEILLEUR SON :
- Mass Effect (BioWare / Microsoft Game Studios sur Xbox360)
- Super Mario Galaxy (Nintendo / Nintendo sur Wii)
- BioShock (Irrationnal Games / 2K Games sur PC et Xbox360)

MEILLEUR ECRITURE :
- Mass Effect (BioWare / Microsoft Game Studios sur Xbox360)
- The Witcher (CD Projekt Red Studio / Atari sur PC)
- Final Fantasy Tactics : The War of the Lions (Square-Enix / Square-Enix sur PSP)

MEILLEUR UNIVERS :
- BioShock (Irrationnal Games / 2K Games sur PC et Xbox360)
- Mass Effect (BioWare / Microsoft Game Studios sur Xbox360)
- The Witcher (CD Projekt Red Studio / Atari sur PC)

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MEILLEUR JEU DE ROLE :
- Persona 3 : FES (Atlus / Atlus sur PS2)
- Mass Effect (BioWare / Microsoft Game Studios sur Xbox360)
- The Witcher (CD Projekt Red Studio / Atari sur PC)

MEILLEUR JEU DE STRATEGIE :
- Supreme Commander (Gas Powered Games / THQ sur PC)
- World in Conflict (Massive Entertainment / Vivendi sur PC)
- Final Fantasy Tactics : The War of the Lions (Square-Enix / Square-Enix sur PSP)

MEILLEUR JEU DE COMBAT :
- Virtua Fighter 5 (Sega-AM2 / Sega sur Xbox 360)
- Hokuto no Ken (Arc System Works / Sega sur PS2)
- Dragon Ball Z Sparking Meteor / Budokai Tenkaichi 3 (Spike / Namco Bandai sur PS2)

MEILLEUR JEU DE TIR :
- Call of Duty 4 : Modern Warfare (Infinity Ward / Activision sur Xbox360)
- BioShock (Irrationnal Games / 2K Games sur PC et Xbox360)
- Crysis (Crytek / Electronic Arts sur PC)

MEILLEUR JEU D'ACTION-AVENTURE :
- Metroid Prime 3 : Corruption (Retro Studios / Nintendo sur Wii)
- Assassin’s Creed (UbiSoft Montréal / Ubisoft sur Xbox360 et PS3)
- Uncharted : Drake's Fortune (Naughty Dogs / Sony sur PS3)

MEILLEUR JEU D'AVENTURE :
- Gyakuten Saiban 3 / Phoenix Wright 3 (Capcom / Capcom sur DS)
- Experience 112 (Lexis Numérique / Micro-Application sur PC)
- Sam & Max (Telltale Games / Lucasarts sur PC)

MEILLEUR JEU DE COURSE :
- Project Gotham Racing 4 (Bizarre Creations / Microsoft Game Studios sur Xbox360)
- Gran Turismo 5 : Prologue (Sony / Sony sur PS3)
- Sega Rally Revolution (Sega / Sega sur PC, Xbox360 et PS3)

MEILLEUR JEU DE SPORT :
- Minna no Golf 5 (PlayStation 3)
- NBA 2K8 (Xbox360, PS3)
- Virtua Tennis 3 (Sega / Sega sur Xbox360)

MEILLEUR JEU MUSICAL :
- Moero! Nekketsu Rhythm Damashii: Osu! Tatakae! Ouendan 2 (Inis / Nintendo)
- Guitar Hero 3 : Legends of Rock (Neversoft / Activision sur PS2, Wii, Xbox360 et PC)

MEILLEUR PARTY GAME :
- Rayman et les lapins encore plus crétins (Ubisoft / Ubisoft sur Wii)
- Mario Party 8 (Nintendo / Nintendo sur Wii)
- Mario Party DS (Nintendo / Nintendo sur DS)

MEILLEUR JEU ONLINE :
- Team Fortress 2 (Valve / Valve sur PC et Xbox360)
- Call of Duty 4 (Infinity Ward / Activision sur PC et Xbox360)
- Enemy Territory Quake Wars (Splash Damage / Activision sur PC)

MEILLEUR JEU MASSIVEMENT ONLINE :
- World of Warcraft : Burning Crusade (Blizzard / Vivendi sur PC)
- Tabula Rasa (NC Soft / NC Soft sur PC)
- Lord of the Ring Online (Turbine / Codemasters sur PC)

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MEILLEUR JEU SUR WII :
- Super Mario Galaxy (Nintendo / Nintendo)
- Metroid Prime 3 : Corruption (Retro Studio / Nintendo)
- Super Paper Mario (Nintendo / Nintendo)

MEILLEUR JEU SUR XBOX 360 :
- Mass Effect (BioWare / Microsoft Game Studios)
- BioShock (Irrationnal Games / 2K Games)
- Assassin’s Creed (UbiSoft /Ubisoft)

MEILLEUR JEU SUR PLAYSTATION 3 :
- ??? (je ne dispose pas d'une PS3, donc je ne peux pas faire sérieusement de top)

MEILLEUR JEU SUR PC :
- Half Life Orange Box (Valve / Valve)
- BioShock (Irrationnal Games / 2K Games)
- Supreme Commander (Gas Powered Games / THQ)

MEILLEUR JEU SUR DS :
- Moero! Nekketsu Rhythm Damashii: Osu! Tatakae! Ouendan 2 (Inis / Nintendo)
- Gyakuten Saiban 3 / Phoenix Wright 3 (Capcom / Capcom)
- The Legend of Zelda : Phantom Hourglass (Nintendo / Nintendo)

MEILLEUR JEU SUR PSP :
- Final Fantasy Tactics : The War of the Lions (Square-Enix / Square-Enix)
- Castlevania Dracula X Chronicles (Konami / Konami)
- Silent Hill Origins (Climax / Konami)

MEILLEUR JEU SUR PLAYSTATION 2 :
- Persona 3 : FES (Atlus / Atlus)
- God of War 2 (SCEA / Sony)
- Dragon Ball Z Budokai Tenkaichi 3 (Spike / Namco Bandai)